Hallo allemaal, welkom terug bij Wrong Every Time. Vandaag heb ik een geluid en woede-ring voor jullie allemaal, aangezien de vertoningen van deze week een film bevatten die ik met elke vezel van mijn wezen haatte. Ja, we hebben Favreau’s irritante Lion King-remake gezien, dus jullie kunnen allemaal genieten van een vleugje van die naakte woede die ik alleen richt op dingen die de wereld erger maken. Gelukkig waren de rest van de vertoningen van deze week veel meer toevallig, variërend van een duidelijk artefact van de digitale overgang van de anime tot een gewoonweg uitstekende horrorfilm. Laten we beginnen met het slechte en doorgaan met het goede terwijl we door de laatste recensie van de week gaan!
Op aandringen van mijn huisgenoten volgden we vorige week de screening van De Leeuwenkoning met zijn CG-heruitvinding van 2019. Welnu, “opnieuw bedenken” is waarschijnlijk het verkeerde woord, aangezien ik geen greintje verbeeldingskracht heb geanalyseerd in enig aspect van deze verdomde film. Ik had al verwacht hoe erg het zou zijn Kijken: In de vleeshaken van Jon Favreau wordt elke mooie kleur, elke verbluffende compositie en elk stukje personage-acteren uit het origineel gehaald. In zijn onzinnige streven naar vermeend fotorealisme zorgt hij ervoor dat elk shot in deze film er ongericht en saai uitziet, en streeft hij ernaar om zijn karakterloze CG-dieren min of meer in het midden van het frame te houden. Zodra dynamische, kleurrijke songsequenties hun aantrekkingskracht volledig hebben verloren; je kunt nauwelijks onderscheiden wat er aan de hand is in het obscure Be Prepared, terwijl I Just Can’t Wait To Be King elke vorm van visuele verhalen achterwege laat die verder gaan dan “hier zijn enkele dieren op het scherm.”
Maar Favreau was altijd een hacker, en “laten we voor fotorealisme gaan boven kunst” was altijd een inherent zinloze exercitie. Wat hij deed Wat me verbaasde aan deze film was hoeveel het origineel tekortschoot, zelfs als je de beelden buiten beschouwing laat. Het schrijven is onhandig en minder gefocust, schijnbaar meer geïnteresseerd in het demonstreren van “hé, we hebben stemacteurs van beroemdheden!” dan het daadwerkelijk vertellen van een verhaal. En de muziekmix is gruwelijk, met volledig ondergedompelde instrumenten en zeer luide stemmen in de mix, op een manier die verder benadrukt hoe slecht de vocale melodieën zich verhouden tot hun originele tegenhangers. Ongeveer de enige vocale uitvoering die gunstig afsteekt bij het origineel is die van Donald Glover, maar zelfs hij kan de productiefouten niet verhelpen. Deze versie van The Lion King is “het origineel maar dramatisch slechter” in alle opzichten die je je kunt voorstellen, een film nemen die miljoenen versteld deed staan en die weer uitbraken als een cynische oefening in het uitbuiten van de misplaatste prioriteiten van het publiek. Favreau, je hebt het weer gedaan.
Vervolgens sloten we onze recensie van wat mijn huisgenoot ‘de essentiële Rockys’ noemde (Rocky 1 t/m 4) af met een voorproefje van Rots III, waarin Stallone het opneemt tegen de charmante Clubber Lang (Mr. T). Terwijl ik over Rocky II schreef, dacht ik na over hoe de films van Stallone vaak passen in karakterstudies of modellen van hoo-rah machismo; Rocky III markeert het overgangspunt tussen deze modellen, terwijl onze hoofdrolspeler verandert van een man die wordt achtervolgd door zijn demonen in een superheld die vecht tegen een superschurk.
Rocky’s eerste mislukte wedstrijd tegen Lang voelt als de afsluiting van Rocky’s vroege verhaal: hij gaat het hele duel met de kampioen, wint uiteindelijk het kampioenschap, verliest het vertrouwen in de geldigheid van zijn prestaties en wordt gekastijd door een tragische herinnering aan wat echt waardevol is. In het leven. De scène van Stallone die naast zijn stervende trainer schreeuwt, is een van zijn beste carrières; op dat moment blijken al zijn zorgen over “echte overwinningen” onbeduidend, aangezien hij angstig liegt over zijn prestatie om de zorgen van zijn coach weg te nemen. In het beste geval kan Stallone een zeer De Niro-achtige tragedie in Scorcese’s handen oproepen, een door pokken getekend embleem van mannelijke macht in een wereld waar zulke kracht alleen maar kan ruïneren.
Dan komt Carl Weathers opdagen, we hebben een luchtige trainingsmontage en Stallone slaat Mr. T in hun herkansing. Dus ja, uiteindelijk een ietwat onsamenhangende film, maar ik heb eerlijk gezegd best van beide delen genoten. Er zijn dingen om van te houden aan zowel Stallone de macho als Stallone de mannelijke criticus, en Rocky III levert een winnend deel van elk.
toen was het kluizenaar thuis, een Nieuw-Zeelandse horrorkomedie over een jonge vrouw genaamd Kylie (Morgana O’Reilly), die is veroordeeld tot acht maanden huisarrest in haar voormalige ouderlijk huis na de laatste in een reeks kleine misdaden. Eenmaal daar wordt ze herenigd met haar praatzieke moeder, die lijkt te geloven dat er een soort aanwezigheid in hun huis rondspookt. Na verloop van tijd begint Kylie getuige te zijn van enkele onverklaarbare gebeurtenissen, wat leidt tot een paranormaal onderzoek naar de donkerste geheimen van het huis.
Housebound is absoluut meer komedie dan horror, maar het slaagt behendig in beide sferen, met tal van demente komische uitbetalingen en een enorm sympathieke cast van personages. Zo begint het niet; Kylie’s personage is zo in zichzelf gekeerd dat het even duurt voordat ze in haar verhaal zit, en haar moeder speelt behendig de rol van iemand die tegelijkertijd ‘aardig’ maar onmogelijk is om mee samen te leven. Maar zodra huisarrestagent-paranormaal onderzoeker Amos erbij betrokken raakt, verandert de film in een spannende en consequent grappige spokenjacht, met tal van bevredigende wendingen en een aantal heerlijk kleverige praktische effecten. De laatste act van Housebound biedt een perfecte samensmelting van kat-en-muisspanning en komische ontlading, en levert een grap op die zo goed is dat ik mijn tanden moet bijten om hem niet te bederven. Licht, charmant en slim geconstrueerd, Housebound is een lonend horloge voor fans van komedie of horror, en waarschijnlijk een goede “walk-in horror” -film voor degenen die de moed verzamelen om het genre aan te pakken.
Toen liet ik een animefilm zien die al een tijdje op mijn lijstje stond, die van Hiroyuki Kitakubo Bloed: de laatste vampier. De film duurt slechts vijfenveertig minuten en is in wezen slechts een reeks actiescènes, waarin vampierendoder Saya wordt gevolgd van een confrontatie in de metro naar Yokota Air Base terwijl ze een groot aantal bloeddorstige beesten achtervolgt.
De plot van de film is niet bijzonder interessant, maar eigenlijk is al het andere aan deze productie dat wel. Het landschap bijvoorbeeld; “een Amerikaanse luchtmachtbasis in Japan in de jaren 1960” is een specifieke en vernieuwende setting en bevordert de zelfverzekerde mix van Engels en Japans in de film. Blood weerspiegelt ook verschillende keerpunten in de geschiedenis van anime-productie. Als een korte film die is opgevat als een franchisebasis, grijpt het terug op Production IG’s vroege geschiedenis van prestige, door makers aangestuurde films en OVA’s, terwijl een film die grotendeels is bedacht om het potentieel van digitale animatie te demonstreren, duidelijk een voorbode is van acceptatie. . En nog belangrijker, het werkt echt: de kenmerkende karakterontwerpen van Katsuya Terada sluiten goed aan bij de digitale componenten, en de over het algemeen sombere esthetiek van de film maskeert uitstekend de naden van de verschillende delen. Een interessante momentopname van een heel andere tijd in de geschiedenis van anime-productie.
De laatste van de week was een semi-klassieke slasher, Het huis op Sorority Row. Ondanks de ongeïnspireerde titel, bleek Sorority Row een duidelijk superieure slasher te zijn, verheven door zijn uniek boeiende verhalende structuur, buitengewoon geestig script en sterke uitvoeringen van de hoofdcast. De film volgt een groep meisjesstudentenclubzusters die hun slaapzaalmoeder voor de gek proberen te houden, maar haar per ongeluk vermoorden. Omdat de studentenvereniging binnen enkele uren een feest had, koos de groep ervoor om het lichaam in hun verlaten zwembad te verstoppen, wat een angstig uur veroorzaakte waarin ze probeerden hun misdaad te verbergen terwijl ze langzaamaan werden gepakt door een mysterieuze moordenaar.
In plaats van de gebruikelijke bende anonieme slachtoffers die je op deze kenmerken vaak tegenkomt, is de cast van Sorority Row onderscheidend en dynamisch, met duidelijke kliekonderverdelingen onder de algemene sociale groep en veel belangrijke persoonlijkheden onder hen. De relatieve schuld van deze personages stuurt ze in vreemde, paniekerige richtingen voordat de moorden beginnen, terwijl het contrast tussen geweld en feestvreugde de middelste act van de film een hectische, bijna uitzinnige energie geeft. De film pakt nog steeds op effectieve wijze de tragedie van de nalatenschap van deze slaapzaal aan, gebruikmakend van die altijd groeiende ader van ervaring die de jeugd begeert. Grappig genoeg is het zwakste element van deze horrorfilm eigenlijk de cut – de doden zijn niet bijzonder onderscheidend of beangstigend, maar als de steigers eromheen zo indrukwekkend zijn, is het een gemakkelijk te vergeven fout.
