Hallo allemaal, welkom bij Wrong Every Time. Ik hoop dat iedereen het warm heeft tijdens deze eindeloze winterdagen en ik ben blij te kunnen melden dat ik een flinke stapel filmmijmeringen voor je klaar heb liggen. Ik vervolg ook mijn reis door eerdere animes; nadat ik mijn huisgenoten had onderworpen aan tachtig afleveringen van Tomino, vond ik dat het tijd was om het publiek om suggesties te vragen, en dus diende Outlaw Star als onze nieuwste anime-onderneming. Ik zag Outlaw Star voor het laatst in episodische fragmenten na school in Toonami, dus het was een explosie van nostalgie om terug te keren naar de bemanning, en nog meer voldoening om te beseffen dat Outlaw Star gewoon een goede tijd is. Ik zal waarschijnlijk binnenkort wat samengestelde gedachten over de show samenstellen, maar laten we nu eens kijken naar een nieuwe selectie speelfilms!
Ten eerste bracht onze voortdurende mars door slashers van dubieuze canoniciteit ons terug naar de Scream-franchise terwijl we verder gingen. Schreeuw III Het is Schreeuw IV snel achter elkaar. Met de eerste Scream die zichzelf definieert door zijn meta-begrip van horrorfilmconventie, en de tweede die genoegen neemt met de inherente conventies van horror-sequels, zijn de conceptuele keuzes begrijpelijkerwijs slanker voor deze latere inzendingen.
Het derde item gaat over “horrortrilogie”-conventies, maar eerlijk gezegd is er niet veel om op in te gaan. Veel effectiever is het film-in-een-film-concept, waarin een reeks moorden de productie van universum Stab 3 verstoorde, de derde verfilming van het boek geschreven door universum-verslaggever Gale Weathers over de moorden op de eerste Scream. . Ja, onze meta-narratieve niveaus zijn inderdaad onmogelijk genest geworden, maar het kijken naar personages die rondrennen in een backlot die is ontworpen om de real-life instellingen van de eerste Scream op te roepen, is niettemin een vreemd boeiend concept, en Gale Weathers zien worstelen met een actrice die haar oproept eigenschappen onaangenamer. het is een traktatie.
Voor Schreeuw IV, schakelt Wes Craven noodzakelijkerwijs over van vervolgcommentaar naar remake-commentaar, wat natuurlijk gepaard gaat met een dramatische reprise van het eerste verhaal van Scream, nu met originele Sidney-overlevenden Dewey en Gale als de geharde veteranen van de stad. Er is een soort goedkoop plezier in het bewonderen van Craven’s benadering van zijn eigen eerdere succes, compleet met acteurs die duidelijk gecast waren om eruit te zien en te klinken als hun voorgangers. Maar wat deze film echt rechtvaardigt, afgezien van de verwaterde allure van de metagimmicks van de franchise, is dat de sterfgevallen echt gespannen en gruwelijk zijn. Het lijkt vreemd om te zeggen over de regisseur van The Last House on the Left en The Hills Have Eyes, maar de Scream-films zijn altijd een redelijk kuis, niet-bedreigend type slasher geweest, en het vergroten van de moorddadige puinhoop doet goed werk. taak om deze film te rechtvaardigen.
Onze volgende voorstelling was Ze schieten paarden, nietwaar?, een psychologisch drama uit 1969 rond een danswedstrijd uit het tijdperk van de depressie. Met de allure van verzorgde maaltijden en een prijs van $ 1.500 in afwachting van het laatste paar dat overblijft, moeten paren dagen, weken en uiteindelijk maanden dansen tot ze erbij neervallen, waarbij ze slechts tien minuten pauze krijgen voor elke twee uur dansen. Wie zal slagen, wie zal falen, en wie zal de harten van ons gracieuze publiek winnen!? Het is de show van de eeuw mensen, dus pak je stoelen en moedig deze kinderen aan!
Door de aanvankelijke juxtapositie van de regels van de danswedstrijd en de overpeinzingen van hoofdpersoon Robert over een neergeschoten paard, is het centrale thematische punt van They Shoot Horses duidelijk. Zelfs in de rij voor kaartjes, denken de topspelers na over hoeveel vee ze zijn, waarbij Roberts partner Gloria zegt dat “we erger zijn dan vee omdat we weten dat de hamer eraan komt”. Maar een thema hoeft niet subtiel te zijn om indruk te maken, en terwijl twee uur van fysieke uitputting en opzettelijke wreedheid van de ceremoniemeester zich ontvouwen, wordt het vermogen van de mensheid tot zowel inspanning als ontmenselijking duidelijk in elk lichaam, trillend en kijkend vanaf duizend meter afstand. Danswedstrijden als deze passen in een traditie van “ze werden tenminste slechter” menselijk spektakel dat zich uitstrekt van leeuwen tegen christenen tot hongerspelen en inktvissen, maar hier kunnen fantasie noch historische afstand ons ervan weerhouden de filosofie van onze ceremoniemeester te erkennen. . Ellendige mensen willen ellende zien, en is dat zo verkeerd?
Je gaat ballroommeester Rocky (Gig Young) bijna evenveel haten als de dansers zelf, zowel vanwege zijn meedogenloze onverschilligheid voor het leed dat hij veroorzaakt als vanwege zijn onwelkome begrip dat wreedheid is wat het publiek echt wil. Terwijl de weken van marteling zich opstapelden, moest ik denken aan die regel uit The Sea Wolf – “er is een grens aan wat een man zal doorstaan om in leven te blijven”. Er is iets tragisch opbeurends aan de moeite die deze dansers moeten doorstaan om in leven te blijven, maar uiteindelijk zijn hun dromen van glorie niets meer waard dan de nutteloze nieuwsgierigheid van een vee naar het lot van hun lopende band. Een furieuze en aangrijpende film.
toen was het de goudkoorts, die diende als mijn kennismaking met de filmografie van Charlie Chaplin. Het blijkt dat deze Chaplin erg grappig is, en honderd jaar filmische ontwikkelingen hebben in wezen niets gedaan om het vakmanschap of de impact van zijn komedie te verminderen. Zelfs met de basale manier waarop Chaplin over het scherm duikt, is het duidelijk dat hij een van die zeldzame komieken is die absolute fysieke controle over zijn lichaam heeft en elke spier precies op de juiste manier kan verdraaien voor een optimaal komisch effect. En zijn beheersing van het scherm zelf is eveneens verfijnd; Met vrijwel elk aspect van de productie van deze film in zijn handen, creëert hij een perfect huwelijk tussen setting en fysieke uitvoering, waarbij het uiteindelijke effect schokkend dicht in de buurt komt van de holistische visuele komedie van een geweldige Looney Tune.
Gold Rush migreert comfortabel van setpiece naar setpiece, de komedie varieert van balletachtige valpartijen tot tragische misverstanden tot de juiste manier om een schoen te koken en te eten. Hoewel het vertellen van verhalen duidelijk niet haar prioriteit is, weeft ze een samenhangend verhalend pad uit Chaplins avonturen aan de grens van Alaska, waarbij ze met succes vertrouwt op de onschuldige charme van zijn Tramp-personage. Toen ik naar Chaplin’s Tramp keek, begreep ik waarom Rowan Atkinson Mr. Boon sprakeloos; in dit rijk van elegante fysieke komedie en fundamentele menselijke emoties zouden woorden het drama alleen maar in de weg staan en de puurheid van de emotie die wordt overgebracht door expressie en lichaamstaal verminderen. Chaplin was de eerste en misschien wel de beste van deze komische genieën, en zijn werk is vandaag de dag net zo grappig en formeel indrukwekkend als op de dag dat het werd uitgebracht.
wij kijken dan Piepende Tom, een Michael Powell uit de jaren zestig die tot deze week de belangrijkste ontbrekende schakel was in mijn opleiding tot horrorfilm. Peeping Tom veroorzaakte zoveel opschudding toen het debuteerde dat het de carrière van Powell echt schaadde, maar sindsdien wordt het erkend als een van de belangrijkste voorlopers van de transformatie van horror in de jaren 70 en 80, evenals een meesterwerk op zich. .
De film gaat over een aspirant-filmregisseur genaamd Mark, die nooit wordt gezien zonder zijn trouwe camera in de hand. Daar is een reden voor: de vader van Mark wijdde de jeugd van zijn zoon aan het voortzetten van zijn eigen studies in angst, en dus bracht Mark elk moment van zijn jeugd door voor camera’s en overgeleverd aan de genade van zijn sadistische vader. Het resultaat was dat Mark verlegen opgroeide en toegewijd was om het werk van zijn vader voort te zetten, tot het punt dat hij vrouwen vermoordde om hun uitingen van dodelijke angst vast te leggen.
Zelfs als moderne bioscoopbezoeker met honderden horrorfilms achter zich, zorgt Peeping Toms voyeuristische kadrering en ongemakkelijke menselijke moordenaar voor een verontrustende kijkervaring. Het is duidelijk dat Powell worstelde met de inherent voyeuristische aard van cinema, met zijn vreemde mix van kunstgrepen en ernst, en Mark fungeert als een verrassend sympathiek voertuig voor dat thema. Het was het meedogenloze filmen en porren van de hand van de regisseur die hem in deze staat bracht, en het is duidelijk dat hij denkt dat alleen de voltooiing van dit project, zijn “documentaire”, hem van zijn impulsen zal bevrijden. Peeping Tom vindt zelfs tijd voor een echt meeslepend liefdesverhaal tussen Mark en een van zijn huurders, waarbij hij een verdere grens trekt tussen Marks project en de algemene zoektocht naar verbinding of waarheid die alle kunstenaars drijft, alle documenteerders van menselijke kwetsbaarheid.
En toch, ondanks Marks menselijke complexiteit en sympathieke kwaliteiten, voelen de scènes waarin hij beelden van zijn documentaire bekijkt, nog steeds aan als hartverscheurende kruisen met de duivel zelf. Carl Boehm is in staat om een soort perverse persoonlijke transmutatie-goocheltruc uit te voeren; wanneer een vrouw alleen is met Mark, verschuift de zelfverzekerdheid en lichte melodie van zijn stem op de een of andere manier van geruststellend naar verontrustend, terwijl zijn eeuwige halve glimlach niet langer een grap impliceert die jullie tweeën delen. Tussen de opmerkelijke uitvoering van Boehm en Powells volledige afhankelijkheid van belichting en enscenering, zijn Marks moordscènes verstikkend gespannen en visueel aangrijpend, met Marks perspectiefcamerabeelden en de onmiskenbare emotie van de ervaring die het publiek medeplichtig maken aan uw project. Een film die de fundamentele kwesties van moderne horror bespoedigde en voorspelde, en tegelijkertijd een eigen angstaanjagende ervaring bood.
