Hallo allemaal, welkom terug bij Wrong Every Time. Ik was dit niet echt van plan, maar op basis van wat we hebben gezien, ontdekte ik dat deze week een bijzonder onbetrouwbaar filmthema bevat: verfilmingen van videogamefranchises. Hoewel we ver voorbij de dagen zijn dat Uwe Boll rechten ophaalt voor centen en goedbedoelende kunstsubsidies uitbuit voor afval, hebben verfilmingen van games nog steeds een nogal twijfelachtige reputatie, een voorspelbaar bijproduct van games die vaak interactiviteit hebben in plaats van verhalen vertellen. Afgezien van het verrassend boeiende Sonic the Hedgehog, hebben filmische spelaanpassingen over het algemeen de neiging om de verhalende schaarsheid van hun bronmateriaal te benadrukken – en hoewel de vertoningen van deze week die hindernis niet bepaald omzeilden, lieten ze me in ieder geval veel te zeggen hebben over hun pogingen. . Laten we eens kijken naar enkele potentiële films in Week in Review magazine!
De eerste deze week was Ik heb snelheid nodig, de geheel overbodige aanpassing van een reeks games waarvan het cumulatieve verhaal neerkomt op “auto’s gaan snel”. Met zo’n vrij en open canvas hadden de schrijvers van deze bewerking eigenlijk alles kunnen schrijven, zolang het zich maar primair richtte op personages met een diepe en blijvende behoefte aan snelheid. Helaas lijkt juist de vrijheid van die taak hen te hebben afgeschrikt, aangezien Need for Speed nauwelijks een verhaal heeft.
De film valt in dat bekende verschrikkelijke scriptterritorium van tegelijkertijd voor de hand liggend maar ook onsamenhangend zijn. Je zou kunnen denken dat het een tegenstrijdigheid is, maar het komt eigenlijk vrij vaak voor: slechte professionele schrijvers hebben de neiging om te begrijpen welke algemene vorm een film moet aannemen (openingsscène van heroïsche bravoure, held neergeslagen door een rivaal, de bende weer bij elkaar krijgen, vroege triomf, grote tegenslag, uiteindelijke triomf), maar het bindweefsel tussen deze centrale beats wordt verlaten of vergeten, waardoor personages dingen doen simpelweg omdat dat is wat er daarna gebeurt in een film als deze. Het resultaat is dat Need for Speed wild heen en weer beweegt tussen losstaande verhalende stops en dat de personages nooit enige schijn van een coherente, evoluerende persoonlijkheid ontwikkelen.
Het script is qua dialoog niet beter dan qua structuur, wat betekent dat zelfs de uiterst getalenteerde Aaron Paul niet in staat is om de pijn van zijn moeilijke positie te verkopen, noch de relatie die hij zogenaamd ontwikkelt met heldin Imogen Poots. Gelukkig, en eerlijk gezegd een beetje verrassend, zijn de daadwerkelijke racesequenties behoorlijk behoorlijk: goed geschoten, behoorlijk gespannen, en over het algemeen omarmen ze het live-actiewerk boven CG-valsspelen. De film is te lang en slecht geschreven om het kijken naar de races te rechtvaardigen, maar geef de eer toe, de centrale actie van de auto is echt solide.
wij kijken dan de interne uitgangen, een verzameling extra verspreide beelden die zijn gefilmd tijdens het maken van Bo Burnham’s Inside. Ik dacht eigenlijk dat het een verzameling muzikale B-kantjes zou zijn, en dat zijn er nogal wat, inclusief een genereuze portie gratis Jeff Bezos-jingles. Maar voor het grootste deel zweven deze outtakes in de marge van Inside’s laatste materiaal en onthullen het afwisselend pijnlijke en vervelende proces om deze gepolijste nummers tot leven te brengen.
gezien de binnenkant is al een zelfreflectief commentaar op de arrogantie en kwelling van artistieke productie in het online tijdperk, je vraagt je misschien af welke andere inzichten deze weggegooide fragmenten zouden kunnen bieden. Nou, het is zeker niet een stuk zoals het definitieve ontwerp, maar dat is het punt. In de hele Inside Outtakes wordt nadrukkelijk duidelijk hoe Bo voor negentig procent van het creatieve proces eigenlijk niets heeft: een lichttruc die misschien wel cool is (of is het stom?), een half refrein dat een grap mist, een akkoordprogressie die kan misschien ergens heen.
Door het iteratieve, vaak vruchteloze proces van het componeren en opnemen van zijn sketches te onthullen, doorbreekt Burnham met succes alle sluiers die overblijven tussen artiest en publiek, waarbij hij benadrukt dat wat lijkt op moeiteloze komische timing of menselijke perceptie, eigenlijk gewoon te veel is. . met een aantal zwaarbevochten technische vaardigheden. Het is zowel menselijk als geruststellend om negen schotpogingen te zien instorten in een bijna levensvatbare laatste versie; terwijl Inside aanvoelt als een definitief statement, benadrukken de outtakes dat geen enkel idee volledig gebeeldhouwd aankomt, en dat kunst veel meer draait om experimenteren en ijver dan om te fungeren als een vergaarbak of kanaal voor universele waarheid. Waarschijnlijk interessanter voor andere artiesten dan het grote publiek, maar toch een aangenaam en rustig geruststellend horloge.
toen was het planeet van vampiers, een scifi-horrorfilm van de betrouwbare Mario Bava (Black Sabbath, Blood and Black Lace, enz.). Terwijl ze een mysterieus signaal van een verre planeet onderzoeken, wordt de bemanning van twee schepen aangevallen door een soort spectrale indringer – een levensvorm die geen eigen lichaam heeft en daarom onze granaten probeert te stelen. De overlevende bemanningsleden moeten het opnemen tegen hun eigen voormalige kameraden terwijl ze de geheimen van deze levensvorm ontrafelen en hopelijk met hun leven ontsnappen.
Planet of the Vampires leest veel als “wat als Alien werd geproduceerd in de stijl van een originele Star Trek-aflevering”, tot aan de opname van een voorloperras die ook werden misleid door de parasitaire levensvorm. Helaas komt het make-upwerk van de zombified crewleden niet helemaal overeen met de tijdloze spanning en schroom van Bava’s beste films, maar de film vult zijn pogingen tot horror graag aan met veel charmant decorontwerp. Sequenties van overlevenden die enorme, glinsterende ruimteschepen verkennen, voelen aan als Bava in zijn meest Argento-achtige vorm, en de laatste act biedt een echt gespannen ontsnapping aan gevaar, naast een Twilight Zone-ready twist-einde. Het is zeker kleinere Bava, maar kleinere Bava is nog steeds een heel plezierige wandeling.
We sloten de week af met de recente Film Super Mario Bros., de poging van Illumination om de meest geliefde loodgieter van gaming naar het grote scherm te brengen. Het resultaat is precies wat je zou verwachten: vakkundig uitgevoerd, structureel vertrouwd en absoluut boordevol incidentele verwijzingen naar de bredere canon van Nintendo.
Hoewel veel gejammer en tandengeknars gepaard ging met de aankondiging van Chris Pratt als de stem van Mario, is zijn werk hier echt goed, en hij slaagt er goed in om een in wezen persoonlijkheidsloos spelpersonage te transformeren in een alleman met een voorliefde voor het donker. . . Hij en Peach roepen precies dezelfde gemeenschappelijke schlub / action girl-dynamiek op die je in een groot aantal geanimeerde familiefilms aantreft, wat hier echt helpt om de inherente context-averse raarheid van Mario’s gameverhalen af te ronden. Luigi als jonkvrouw in nood hebben was de juiste keuze; het is niet alleen oprecht trouw aan de spellen, het geeft Peach en Bowser ook de kans om zich uit te drukken in meer sympathieke contexten dan “Ik heb je in een kooi en ik ga nu met je trouwen.”
Anya Taylor-Joy doet haar best met Peach’s one-note materiaal, maar het is niet verwonderlijk dat Jack Black de film volledig steelt, genietend van Bowsers innemende mix van bravoure en kwetsbare passie. Een film waarin hij alleen pianoballads zingt voor zijn afwezige prinses was misschien beter geweest dan deze, maar de razernij van Super Mario Bros door achtergronden die uit Nintendo’s backcatalogus zijn gescheurd, is desalniettemin een boeiend moment, als je de gebreken kunt vergeven. Verlichting en agressieve naalddruppels. Toegegeven, ik heb zoveel uren met deze personages doorgebracht dat ik meer dan in de stemming was voor een blockbuster-avontuur, en ik ging zeer tevreden weg. Nostalgie is een geweldige drug.
