Hallo allemaal, welkom terug bij Wrong Every Time. Het is momenteel benauwd, bewolkt en ronduit onherbergzaam, maar ik weiger mijn middag door het ronduit kinderlijke gedrag van de natuur te laten bederven. Deze week werd gekenmerkt door een verscheidenheid aan lonende persoonlijke mijlpalen: ik heb mijn nieuwste artikel over de uitstekende Simoun uitgebracht, mijn Witch Hat Atelier en Chainsaw Man-artikelen bijgewerkt (momenteel in mijn concepten) en Mitsuo Iso’s fascinerende Dennou Coil voltooid, terwijl ik ook een groot deel van de rest van de D & D-campagne van mijn huis plannen. Ik neem aan dat het geen groot geheim is dat dingen gedaan krijgen je een gevoel van voldoening geeft, maar het is nog steeds een grote bron van trots en energie geweest om te zien dat mijn stapel ‘huidige lopende projecten’ het afgelopen half jaar zo aanzienlijk afnam. Er komen nog meer leuke dingen aan, maar laten we nu wat nieuwe films en Mitsuo Iso’s veelgeprezen productie verkennen terwijl we Week in Review branden!
De eerste deze week was zwarte zondag, de speelfilmdebuut van de legendarische Mario Bava. De film vertelt het verhaal van een heks die wordt veroordeeld en vermoord door haar broer, maar twee eeuwen later terugkeert als geest, met de bedoeling wraak te nemen en terug te keren naar de wereld van de levenden. Het verhaal van Black Sunday is losjes gebaseerd op het ‘Viy’-verhaal, maar het doet ook denken aan elementen van Dracula, vooral in de botsing van de moderne geneeskunde met het oude kwaad. Maar qua regie en decorontwerp is Black Sunday Bava op zijn best: de film, gedraaid in weelderig zwart-wit, is een parade van de ene oogverblindende compositie na de andere en verheft het vertrouwde tot het iconische.
Als ik Black Sunday in één zin zou moeten omschrijven, zou het zijn “wat als Alfred Hitchcock een Hammer-horrorfilm zou regisseren”. Bava’s composities en blokkeringen voelen altijd doelgericht aan, maar Black Sunday is indrukwekkend, zelfs naar zijn algemene maatstaven, en maakt gebruik van de unieke verlichtingsmogelijkheden die zwart-witfotografie biedt om een overkoepelende gotische esthetiek op te bouwen. De film bevat nog steeds enige echte horror, met zijn kernconcept van een met spijkers bezaaid “demonenmasker” dat zijn plaats verzekert tussen de zeldzame pre-jaren ’70 horror-ondernemingen die me echt ineenkrimpen. Een essentiële film in de ontwikkeling van Europese horror, en ook gewoon een lonend en consistent mooi horloge.
toen was het over de maan, een recente animatie over Fei Fei, een jonge vrouw die betoverd wordt door de legende van de maangodin Chang’e en haar verloren liefde Houyi. Het verhaal werd haar voor het eerst verteld door haar moeder, een belangrijk verbindingspunt tussen hen dat haar troost en leidraad wordt na de dood van haar moeder. Fei Fei vindt duidelijk troost in dit verhaal over het wachten op de terugkeer van haar verloren liefde – en dus, wanneer haar vader aankondigt dat hij gaat hertrouwen, vertrekt ze naar de maan, met de bedoeling de legende te bewijzen door de verloving van zijn vader te verbreken. en stevig staan. ter nagedachtenis aan de liefde van zijn moeder.
Dus ja, Over the Moon is duidelijk een verhaal over verdriet, waarbij de reis van Fei Fei het lang uitgesponnen rouwproces van Chang’e weerspiegelt. De belangrijkste beats zullen waarschijnlijk een beetje te vertrouwd aanvoelen, maar het script is genereus met zijn personages, zowel in de manier waarop het hun emoties aanboort als in het vertrouwen om ze hoekig of zelfs smerig te laten worden in de diepte van hun gevoelens. De cast is ook over de hele linie sterk, met Cathy Ang die het bij elkaar houdt als de overtuigend gewonde maar gepassioneerde Fei Fei, en Ken Jeong die zijn deskundige kennis van timing en anticlimax inbrengt in de broodnodige komische hulprol.
Ik vond het ook erg leuk dat de film zich niet verontschuldigt voor zijn specifieke culturele en mythische basis – er zijn geen opritten of compromissen bij het uitbeelden van het leven van Fei Fei, wat, niet verwonderlijk, zijn pogingen om dat leven te beschermen des te authentieker maakt. Mijn enige echte klacht over deze over het algemeen effectieve film zijn de songkeuzes – de muzikale sequenties van de film zijn meer verkeerd dan goed, en lijken in beslag genomen door het najagen van poptrends tot het punt waarop de film waarschijnlijk vijf jaar gedateerd aanvoelt. Gelukkig zijn de grote cijfers over rouwen en verder gaan donderend, dus de muzikale indiscreties van de film raken niet echt dramatische, dragende momenten. Al met al een doordacht verhaal over rouw met de nadruk op oprechte emotionele reflectie en een gemakkelijk aan te bevelen familiefilm.
wij controleren dan Scheermesrug, een Australische film uit 1984 over een klein plattelandsstadje dat wordt geterroriseerd door een enorm wild zwijn. Met alle rechten, dit duidelijk van Jaws afgeleide wezenskenmerk zou een afschuwelijke clunker van één dollar moeten zijn, en toch merkte ik dat ik vanaf het begin verslaafd was. Hoewel de film geen acteurs van hoge kwaliteit of zelfs een bijzonder angstaanjagend zwijn mist, wordt hij onredelijk verheven door de weelderige cinematografie van Dean Semler.
In de handen van Semler verandert de Australische outback in een gotische woestenij, kale bomen en verlaten auto’s die als skeletten en grafstenen van gebleekte aarde liggen. De inherente onherbergzaamheid van de sertão wordt door zijn handen verheven tot iets afschuwelijks en majestueus, een landschap dat even onverdraagzaam is voor invasie als de koude oceaan. Binnen deze sombere wereld is de cast voortdurend gereduceerd, kruipend en wanhopig, of het nu in overheersend zonlicht is of in dreigende duisternis. Soms oogst onze zoektocht naar onbekende genres verborgen diamanten; Razorback wint misschien geen prijzen voor zijn scenario of uitvoering, maar de cinematografie van Semler maakt het de moeite waard om te bekijken.
Naast onze verschillende filmische avonturen, heb ik me de afgelopen maanden ook langzaam een weg door Mitsuo Iso gekauwd. Dennou-spoel. Tot de recente Orbital Children was Dennou Coil de enige productie geregisseerd door deze legendarische animator, beroemd om het produceren van baanbrekende sequenties zoals Asuka’s gevecht met de massaproductie-eenheden in End of Evangelion. En inderdaad, Dennou Coil is zelf een speeltuin voor animators, met karakteranimaties die net zo onderscheidend zijn als welke speelfilm dan ook.
De show, gelanceerd in 2007, poneert een nabije toekomst waarin de meeste kinderen zijn uitgerust met een “dennou” -bril, augmented reality-schermen waarmee ze kunnen communiceren met digitale hologrammen in de wereld om hen heen. Terwijl de meeste kinderen deze bril gewoon gebruiken om met digitale huisdieren te spelen en wat dan ook, zijn sommigen geïnteresseerd in het beheersen van deze technologie en gebruiken ze hun bril om stedelijke legendes met betrekking tot dennou-ruimtes te onderzoeken. Bij haar verhuizing naar de stad Daikoku wordt onze held Yuko onmiddellijk in een conflict tussen deze jonge onderzoekers geworpen, een conflict dat haar uit de fysieke wereld dreigt te slepen.
Ik vond eerlijk gezegd dat het overkoepelende verhaal van Dennou Coil vreselijk uitgesponnen was vanwege zijn eenvoud, en mijn ogen werden glazig wanneer de personages begonnen te praten over hoe een digitale patch verband houdt met een andere productupdate of wat dan ook. Net als bij Orbital Children lijkt Mitsuo Iso vastbesloten om geanimeerde drama’s te regisseren over onderwerpen die simpelweg niet passen bij geanimeerde drama’s; hacken is visueel saai en dramatisch ongegrond, en Dennou Coil slaagt er consequent niet in om dit kernnadeel te verhelpen. Een frustrerend percentage van deze serie is gewijd aan personages die in cirkels rondrennen om rekening te houden met nieuw geïntroduceerde en losjes gedefinieerde digitale beperkingen, die allemaal aanvoelden als een willekeurig conflict.
Dat gezegd hebbende, hoewel de centrale verhaallijn van Dennou Coil eerlijk gezegd een mislukking is, was ik gefascineerd door zowel de overkoepelende filosofie als door veel van zijn individuele afleveringen, die weggaan van het centrale, teleurstellende mysterie om verschillende manieren te illustreren waarop stedelijke legendes opnieuw kunnen worden verbeeld. . in het digitale tijdperk. De serie heeft een charmant optimisme dat nostalgisch doet denken aan zijn tijd, toen internet nog een relatief open platform was en AR echt het volgende grote ding leek.
Door de dennou-bril wordt van Iso verwacht dat het zich voorstelt dat het internet een voertuig zou zijn voor door augmented reality gefaciliteerde betrokkenheid bij de echte fysieke wereld, in plaats van simpelweg de onthechting van cultuur van de realiteit te vergemakkelijken. En in zijn preoccupatie met digitale geheimen als stedelijke mythen, gaat Iso er helaas naïef van uit dat internet een Wild West vol geheimen zou blijven, in plaats van een geconsolideerd handvol uitgebreide sites. Verdorie, zelfs de technologische kennis van de hoofdrolspelers weerspiegelt een retrospectief tragisch optimisme, omdat ze zich niet kunnen voorstellen dat gebruiksgemak uiteindelijk elke behoefte aan of verlangen naar technische vaardigheid bij de volgende generatie zou uitsluiten.
Op zijn beste momenten versmelt het tegelijkertijd nostalgische en visionaire perspectief van Dennou Coil tot een soort lofrede voor lokale gemeenschappen die zich overgeven aan verstedelijking, waardoor het soort beloopbare ruimtes en hechte buurten wordt geplaveid waarin lokale legendes tot bloei komen. Terwijl eenzame aan de kaak gestelde wezens die als “illegaal” of gebrekkig zijn aangemerkt, verloren gaan in een reeks onpersoonlijke systeemupgrades, kunnen we tastbaar de dood van een collectieve kindertijd voelen – zij het in het vermogen van deze legendes om van fysieke ruimtes naar digitale ruimtes te migreren, een hoop dat het wonder van de kindertijd behouden kan blijven, ongeacht het tijdperk.
Door zijn weemoedige ondervraging van deze vluchtige stedelijke legendes, roept Dennou Coil een tastbaar gevoel van verlies op, zijn mantel van nostalgie voelt zowel gegrond als oprecht verdrietig aan. Hoewel ik onder de indruk was van het overkoepelende verhaal van Dennou Coil, roepen de beste momenten hetzelfde gevoel van collectieve ontkoppeling op als meesterwerken als Pom Poko of Patlabor, waarbij de generatiekritiek gebaseerd is op de specifieke beproevingen en beproevingen van een kleine gemeenschap. Een rommelige, mooie productie met intermitterende bewegingen.
