Hallo allemaal, welkom terug bij Wrong Every Time. Deze week hebben mijn huisgenoten en ik ons positief volgepropt met Tears of the Kingdom en bij elke mogelijke gelegenheid verdwaald in de rijken van Hyrule. De game voelt nog steeds totaal onrealistisch aan; spelwerelden kunnen niet worden gerealiseerd met zo’n gelijktijdige breedte van ervaring en gemakkelijke nuances van personage-interactiviteit, al deze systemen kunnen elkaar niet voeden om zo’n robuuste en bevredigende spelloop aan te moedigen, en jury-optuigende machines samen hadden nooit zo perfect kunnen aanvoelen , natuurlijk en vrolijk. En toch doen ze dat, en het maken van bizarre constructies bleek de natuurlijke evolutie te zijn van de oproep van Breath of the Wild tot creatieve actie. Ze gingen zelfs in op welke problemen hij deed bestaan in Breath of the Wild, van wapenduurzaamheid (je kunt nu altijd je eigen hoogwaardige wapens maken) tot regen (zeg hallo tegen plakkerige tonics). Het was moeilijk om weg te komen, maar maak je geen zorgen – we maken nog steeds tijd voor onze geplande filmvertoningen. Laten we erop ingaan!
De eerste deze week was Legende, nog een fantasiefilm uit de jaren 80 en een van de grootste fouten in de carrière van Ridley Scott. Tom Cruise schittert als Jack, een “puur wezen” die moet vechten tegen de Duisternis (Tim Curry), een kwade kracht die de aarde wil omhullen in, nou ja, duisternis. Alleen al door die titel en beschrijving zou je de centrale fout van Legend kunnen raden – de film doet zo zijn best om ‘algemeen iconisch’ te zijn dat het simpelweg een identiteit mist, met zijn wereld en personages die geen enkele textuur of persoonlijkheid bezitten.
Jack en zijn vriendin zijn gewoon “aardige mensen”, met eigenlijk geen andere bepalende eigenschappen als karakters. De wereld die ze bewonen is onderontwikkeld en absurd – Jack is een volwassen jongen die in het bos woont, denk ik, de ‘rijken’ die ze doorkruisen, voelen aan als naburige geluidsstudio’s, en we leren nooit genoeg over de grotere wereld of de mensen die er wonen om het gevoel hebben dat er een bepaald risico of gevolg is. Wanneer Tim Curry zijn volgelingen stuurt om een eenhoorn te doden, is zijn beschrijving “er is een beest in het bos dat je moet doden” – dus is de hele oppervlaktewereld een klein bos en bevindt het hol zich er direct onder? Omdat dat is hoe de geografie van de film zich echt afspeelt.
Hoe dan ook, gezien de schijnbare desinteresse van Ridley Scott in de nuances van visie en de textuur van personages die fantasiedrama’s tot leven brengen, zijn de geneugten van Legend strikt ergens anders te vinden. Aan de ene kant is de film prachtig – cameraman Alex Thomson roept behendig de verhoogde, dromerige sfeer op die de Arthur-fantasie vaak kenmerkt, en de bosbossen en griezelige kerkers die onze helden doorkruisen, worden liefdevol gerealiseerd door een sierlijke achtergrond en rijke kleuren. Puur experimentele momenten, zoals wanneer prinses Lili (Mia Sara) wordt geconfronteerd met een sinistere zwarte jurk die haar verleidt om met hem te dansen, kunnen echt magisch aanvoelen. En Tim Curry is een absoluut genot, zowel vanwege zijn buitengewone make-up voor het hele lichaam als vanwege het gevoelvolle plezier dat hij op de een of andere manier overbrengt door al dat toneelschilderen. Absoluut geen kaskraker, maar zeker een interessant artefact.
We hebben besloten dat genoeg genoeg is, en dat het tijd is om de resterende slashers die enige roem bezitten, uit te schakelen. Dit proces begon met horror treineen door en door gemiddelde slasher die blijkbaar werd gepresenteerd als ‘Halloween in een trein’, taal die verontrustend een inherent misverstand impliceert over hoe de setting en impact van Halloween onafscheidelijk zijn.
Misplaatste ambities terzijde, Terror Train is een prima B-kant slasher en profiteert enorm van de overtuigende hoofdrol van Jamie Lee Curtis. De sterfgevallen zijn niet bijzonder angstaanjagend of inventief, maar de gewoonte van de moordenaar om zich te verkleden in de verschillende kostuums van zijn slachtoffers voegt in ieder geval wat spanning en dubbelzinnigheid toe aan zijn aanwezigheid (hoewel zijn pogingen om mij ervan te overtuigen dat David Copperfield de moordenaar was minder effectief waren) . Om brutaal eerlijk te zijn, het beste woord om Terror Train te omschrijven is “essentieel” – het verhaal is duidelijk, teleurstellende moorden en slechts competente productie. Een vreemde afleiding om Curtis en Copperfield samen op het scherm te zien, maar waarschijnlijk niet de toegangsprijs waard.
Wij volgen het met helse nacht, een horrorvoertuig voor Linda Blair, acht jaar na The Exorcist gefilmd. Om eerlijk te zijn, als ik aan The Exorcist denk, denk ik vooral aan William Friedkin, maar Blair doet het echt goed in deze film. Terwijl de personages om je heen de neiging hebben om in verhoogde horrortaal te spreken, dit dramatische taal Blair, wat gebruikelijk is bij camp-slashers, spreekt meestal als een echt persoon en klinkt een beetje als Velma van Scooby Doo getransporteerd naar een slasher-frame.
Hell Night ziet een groep broederschapsjuryleden in verschillende historische kostuums naar Garth Manor worden gestuurd, waar ze een nacht van angst en bevingen moeten doorbrengen, op alle mogelijke manieren geholpen door hun broederschapsbroeders. Natuurlijk blijkt al snel dat er een echt monster dat Garth Manor achtervolgt, met snel een lichaamstelling.
Hell Night wordt net iets boven deze basisformule verheven door zijn afwisselend robuuste en inventieve onderbouwing. Ten eerste krijgt de cast hier iets meer schaduw dan hun gebruikelijke ongelukkige slachtoffers; naast Blair lijken haar twee geloftematen hele mensen, niet alleen tandjes bij elkaar. Bovendien betekent de combinatie van de historische kostuums van de cast en de indrukwekkende aanwezigheid van Garth Manor dat de film ook put uit Hammer’s horroresthetiek en dramatische conventies, waardoor een vleugje scenografische elegantie en ouderwets melodrama wordt toegevoegd aan de standaard horrorattracties. Het is zeker niet bestand tegen de beste slashers, maar ik was verrast hoeveel ik van deze heb genoten.
De laatste van de week was moana, een recente Disney-film met in de hoofdrol Auli’i Cravalho als de titulaire heldin, een jonge vrouw die haar hele leven op een eiland heeft doorgebracht maar ervan droomt om over zee te reizen. In Moana’s dorp is het verboden om voorbij de vijver te reizen – maar wanneer de visroutes van de gemeenschap opdrogen, gaat ze op zoek naar de halfgod Maui (Dwayne Johnson), herstelt Te Fiti’s hart van steen en redt de verdomde wereld.
In combinatie met de blijvende schoonheid van haar CG-animatie, zweeft Moana op de kracht van haar eenvoud en duidelijkheid van doel. Er is hier geen ingewikkeld romantisch drama – het is gewoon Moana op een groots avontuur, aangevuld met een Dwayne Johnson die er alles aan doet om er niet bij te zijn. Maui’s eigenbelang en onbeschaamde desinteresse in Moana’s achtervolging maken hem eigenlijk tot een van Johnson’s meest innemende karakters; zijn bravoure hier is constant leeggelopen, waardoor zijn kracht als komiek naar voren komt. En met de reis van Moana’s personage die verband houdt met haar zorgen over haar identiteit, is ze vrij om van dit avontuur te genieten en bewijst ze dat ze een van de meest competente actieleiders in de geschiedenis van Disney is.
Op de vlucht voor veel van de verhalende aannames van de “Disney-prinsessenfilm”, schittert Moana als een buddy-avontuur met twee buitengewoon sympathieke personages, ondersteund door intermezzo’s van consistent uitstekende muziek. De actiescènes zijn creatief en energiek, de mascottes vullen de hoofdrolspelers goed aan en de emotionele reizen van de personages worden gracieus opgelost zonder afbreuk te doen aan het algehele momentum van de film. Moana is gewoon een geweldig actie-avonturenverhaal volgens elke maatstaf en een ideale familiefilm.
