Trauma is al lang een thema in onafhankelijke cinema – het kost niet veel geld om verhalen over menselijke veerkracht te vertellen. En dus is het logisch dat een festival als Sundance een geweldige selectie zou hebben van wat je deprimerende cinema zou kunnen noemen. ‘Deprimerend’ is echter vaak een complexere omschrijving dan het klinkt. Twee van de films in dit bericht zijn onmiskenbaar duister, maar ze overwinnen die stemming door dichte karakterdetails en uitstekende cinematografie. De derde wentelt zich in zijn somberheid met heel weinig kunst om het gevoel in evenwicht te brengen dat het publiek gewoon wordt gestraft voor het kopen van een kaartje.
Best of Three is het zelfverzekerde persoonlijke debuut van Noora Niasari “Shaida,” die afgelopen weekend een publieksprijs won voor het programma World Dramatic Competition. Vermoedelijk gebaseerd op de eigen ervaring van de filmmaker, klinkt dit drama waar, grotendeels dankzij een verbluffend optreden van Zar Amir Ebrahimi, winnaar van de beste actrice in Cannes voor ‘Holy Spider’. Ebrahimi speelt een moeder die zich verschuilt in een Australisch vrouwentehuis, afwisselend het trauma van haar verleden verwerkt en een nieuwe toekomst voor haar dochter probeert te creëren. Met haar gewelddadige echtgenoot in de verhalende mix, neuriet “Shayda” met onontkoombare angst. Het is een touwtrekken tussen hoop en angst dat Ebrahimi het platform geeft om een volledig driedimensionaal personage te boetseren. We zijn gekomen om voor Shayda en haar dochter te zorgen. En, bij uitbreiding, de duizenden vrouwen in de tragisch dezelfde positie in de wereld
“Shayda” speelt zich af in 1995 en bevat het titelpersonage, gespeeld door Ebrahimi, en haar dochter Mona (Selina Zahednia) in bijna elke scène. Shayda is met Mona en haar man Hossein (Osamah Sami) naar Australië verhuisd, maar hun dagelijkse mishandeling, waaronder verkrachting, is ondraaglijk geworden en dwingt haar naar een geheime schuilplaats – de angst dat iemand erachter zal komen. film het momentum van een thriller, versterkt door een strakke verhouding waardoor we ons net zo gevangen voelen als zij. In zekere zin, zelfs wanneer deze personages op zoek zijn naar vrijheid, zitten ze zichzelf in de val in een leven dat elke vorm van fout potentieel dodelijk maakt. Het helpt niet dat Shayda wordt gedwongen om Hossein haar dochter in de rechtszaal te laten zien. Wat als Mona er een detail over hun locatie uit flapt? Dit zou niet alleen hen in gevaar kunnen brengen, maar ook de andere vrouwen die daar waren.
Ebrahimi levert een indrukwekkende prestatie die tastbare angst en indrukwekkende moed in evenwicht houdt. Nisari legt veel op haar schouders, traditioneel het verhaal vertellen en beseffen dat haar titelpersonage het belangrijkste zal zijn voor kijkers. Als je ziet hoe Shayda probeert deel uit te maken van de Iraanse gemeenschap in Australië – terwijl ze verouderde overtuigingen verwerpt die erop staan dat ze naar haar man terugkeert – voelt het personage tegelijkertijd volkomen compleet, geloofwaardig en vooruitstrevend. Wij geloven in gelijke mate in zowel uw angst als uw hoop. Soms kunnen ze in dezelfde ruimte bestaan.
Er is een vergelijkbare balans tussen hoop en angst in de uitstekende uitvoering van Teyana Taylor in Rockwell’s A.V. “Duizend en één”, een ietwat verrassende winnaar van de Grand Jury-prijs in het festivalprogramma van de US Dramatic Competition van dit jaar. (Eerdere recente winnaars zijn onder meer “CODA” en “Whiplash”.) Nogmaals, het is het verhaal van een moeder die een kind beschermt terwijl Taylor een New Yorkse vrouw speelt genaamd Inez die haar zoon ontvoert uit een adoptieprogramma, zijn naam verandert en ervoor zorgt dat hij zwijgt over zijn verleden.Het geheim dat Inez en Terry delen, definieert hun relatie, een geheim dat de spanning verhoogt als een jongen een man wordt en uiteindelijk ontdekt dat zijn moeder meer verborgen hield dan hij ooit had kunnen vermoeden.
Er zijn twee redenen waarom “A Thousand and One” in staat was om contact te maken met kijkers en een relatief gekunsteld verhaal te boven te komen (hoewel de gimmicks van de laatste scènes voldoende zijn dat het niet mijn keuze was voor zoiets als “All Dirt Road Taste of Salt “). “).
Ten eerste is er Taylor’s volledig toegewijde optreden. Ze heeft een opmerkelijk natuurlijke aanwezigheid op het scherm en verdwijnt onmiddellijk in haar personage op een manier die de actrice doet verdwijnen. We denken dat we in elke scène naar een vrouw kijken die Inez heet in het midden van de jaren 90 in New York City. Het is een van die acteerbeurten waardoor je wilt zien wat een artiest nu gaat doen. Taylor zou majoor kunnen zijn.
De tweede kracht van “A Thousand and One” is het gebruik van de setting door Rockwell als transporter. De film trilt met de energie van New York in de jaren 90, met behulp van slogan en nieuwsverhalen om constant de dynamiek van een historisch stuk te herinneren, maar ook om de film een gevoel van leven rond Inez en Terry te geven. Terwijl ze veranderen, verandert ook de gentrificerende buurt om hen heen, en de details in de setting liggen ten grondslag aan het aantoonbaar melodramatische verhaal. Als het voelde alsof Inez en Terry alleen op moderne sets bestonden, zou “One Thousand and One” niet helemaal hetzelfde sap hebben. Door zoveel zorg te besteden aan de wereld om hen heen, zijn we ons gaan bekommeren om Inez en Terry.
Helaas kan Veerle Baetens niet op dezelfde plek komen met zijn brute manipulatie “Als het smelt” een film waarvoor leeftijdsverificatie vereist was voordat deze werd vertoond, omdat het zo’n donkere en gruwelijke ervaring is. Als je het publiek wilt doen verlangen naar de duistere plekken waar dit verhaal naartoe gaat, moet de reis de moeite waard zijn, en met “When It Melts” kom je daar niet helemaal. Er is een echt sterke prestatie van zijn jonge ster die ervoor zorgt dat hij niet volledig faalt, maar het is een film die vanaf het begin overduidelijk maakt dat je iets vreselijks gaat zien in de laatste akte, maar dat gebeurt niet. waarom zou je blijven om dit te doen. En dan eindigt het op zo’n sombere toon, waardoor de afgelopen twee uur nog bestraffender aanvoelen. Ik respecteer films die bereid zijn om de extreme gruwel van geweld en trauma te laten zien op een manier die niet met de ogen knippert, maar er moet meer zijn dan dat om aan vast te houden. Anders is het gewoon marteling.
“When It Melts” ontvouwt zich in een huidige / flashback-structuur, vooral de laatste. Tegenwoordig ontmoeten we Eva (Charlotte De Bruyne), die een bericht op sociale media tegenkomt over een gedenkteken voor een oude vriend uit het dorp waarin ze opgroeide. Haar reactie op dit bericht maakt duidelijk dat ze een trauma heeft dat verband houdt met deze persoon en haar jeugd, en de flashbacks spelen zich af als een auto-ongeluk in slow motion, waarbij we kennismaken met een jonge Eva (de uitstekende Rosa Marchant) en haar twee mannelijke vrienden . Het trio speelt een raadspel, waarbij ze meisjes in de stad vinden aan wie ze een raadsel vertellen. Voor elke uitspraak of vraag die het antwoord van het raadsel ontwijkt, moet de tiener een kledingstuk uittrekken. Gewelddadige tragedie lijkt helaas onvermijdelijk, vooral als je bedenkt hoeveel volwassenen in deze gemeenschap de andere kant op lijken te kijken.
Marchant is hier zo geloofwaardig dat zijn werk “When It Melts” bijna verheft boven zijn zwakke script. Maar ik had altijd het gevoel dat ik naar een film zat te kijken, een probleem als het gaat om duistere verhalen over de menselijke conditie zoals deze. Dit leidt tot de vraag waarom de filmmaker bepaalde beslissingen neemt in plaats van te investeren in de personages en hun gewelddadige trauma’s. Er is hier veel dat voelt vervaardigd op een manier die eerder straffend dan verhelderend is.